Encontrando balance en el caos del cambio: Dâ Wearhouse.

La marca joven del norte de México (con solo 5 años en operación) presenta su nueva colección: ECLÊCTIC. Ecléctico se dice de una forma de pensar, vivir y actuar donde se busca unir elementos a menudo polarizados, para crear algo nuevo. El eclecticismo es nacer a partir del cambio. 

No pudo haber un mejor nombre para esta colección, que refleja el momento en que Dâ Wearhouse se encuentra como negocio y la etapa que está viviendo su Directora Creativa, Claudia Melgoza. 

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“Se diseña en base a información, no inspiración.” comienza a contar Claudia Melgoza durante la presentación de su nueva colección para Dâ Wearhouse, hablando sobre la serie de cambios implementados al proceso creativo de la marca a manera de llevarla al futuro y lidiar con los cambios en la industria -diseñar con base a la demanda del público es una estrategia usual en el mercado, de esta manera siempre se atiende a la audiencia y se asegura cierto profit– más adelante Melgoza comenta, contestando una pregunta acerca de cómo diseñar en una era donde los algoritmos dictan las tendencias: “hay que innovar, siempre cuidando que tanto se puede hacer.” Cuidar y hacer crecer a una marca joven se trata de encontrar el balance.

 

Otra de las estrategias llevadas por la marca es trabajar bajo el modelo de drops, lanzamientos periódicos, para atender la constante búsqueda de nuevo producto e inmediatez por parte del público así como una manera de crear flujo de producto en la tienda. Esta colección en particular, cuenta con 21 piezas, que serán lanzadas en entregas semanales a lo largo de los próximos 3 meses.

Dándonos otro vistazo a los retos que enfrenta, Claudia nos dice: “No soy Zara. No soy Chanel.” Dâ Wearhouse es una marca que se apoya en un equipo de 5 personas para sacar adelante la totalidad de sus operaciones, desde cortar tela hasta social media management, implementando prácticas de la industria global a una escala local de manera admirable.

 

Pero no solo Dâ Wearhouse está cambiando, la vida de su Creativa, Claudia, se encuentra en transformación también. Recientemente cambió de residencia a otro país, coordinando el estudio a distancia por primera vez con esta colección. Alejarse, Melgoza comenta, le ha permitido “dar un paso atrás para avanzar.” 

Ahora que se encuentra alejada del ajetreo del taller y producción se ha adentrado en proveer una mejor estructura financiera a sus colecciones y planear la vida completa de las prendas desde su llegada a la tienda hasta su posible rebaja. “Me di cuenta que existieron colecciones que ni vendiéndose todas recuperaba la inversión.” Comenta de sus pasados errores, y de su nuevo proceso por aprender centrarse en crecer y desarrollar la marca nos dice: “Si quieres ser mejor, está al alcance de tu dedo.”

 

Esta serie de cambios en la estructura de la marca y en la vida de su creativa se encuentran presentes en la colección (mezclados con un espíritu aguerrido) en forma de mix & match de telas, vuelos en cortes asimétricos, mezcla de texturas y 3 piezas que personalmente considero que sobresalieron: un vestido y una falda estilo handkerchief hechos de una mezcla de diferentes telas. Así como una práctica y cautivadora t-shirt intervenida con tul, creando una interesante silueta y haciendo un go-out top bastante divertido, práctico y en sintonía con el ADN de la joven marca. Este choque de diferentes elementos en la colección, actúa como testimonio del momento que vive la marca y que vive su creadora. Creciendo, evolucionando, encontrando el balance en el caos del cambio: siendo eclécticos. 

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Para cerrar la presentación de la colección, Melgoza retoma el hilo sobre cómo la marca está afrontando los cambios cada vez más repentinos en la industria de la moda afirmando a todos en la habitación: “Da miedo… pero hay luz.” Y de pronto pareciera que este mensaje, en un caótico estilo de vida -como el que llevamos todos- trasciende la comunidad de la moda. Y suena justo como lo que necesitamos escuchar. 

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La marca mexicana definitivamente se encuentra en la recta final hacia su siguiente travesía hacia la expansión. Pero con la filosofía de vida de Claudia Melgoza inyectada en las prendas y como ella nos afirmó, definitivamente hay luz al final del túnel. Y Dâ Wearhouse se dirige hacia un futuro prometedor.

Anna Wintour, tres décadas creando el rostro de la moda.

La moda no siempre fue lo que es ahora, y una sola mujer ha sido la encargada de llevarla de interés nicho a fenómeno cultural global. Anna Wintour, quién por más de 3 décadas ha llevado la posición de editora en jefe de Vogue USA ha constantemente transformado la manera en la que nos relacionamos con ella.

Como R.J. Cutler, director de The September Issue (pieza que sigue de cerca la creación del número más importante para la revista en términos de venta y contenido) lo pone: “Puedes hacer una película en Hollywood sin la bendición de Steven Spielberg, puedes lanzar tu software en Silicon Valley sin la bendición de Bill Gates, pero me queda bastante claro que no puedes triunfar en el mundo de la moda sin la bendición de Anna Wintour”.

¿Cómo ha cambiado esta mujer a Vogue y moldeado, mediante su puesto, lo que pensamos sobre la moda y cómo pensamos en ella?

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Desde la primer portada dirigida por Anna, las cosas iban destinadas a cambiar, el número presentaba a la modelo Michaela Bercu en jeans Guess de $50 dólares emparejados con un suéter haute couture Christian Lacroix de $10,000, en entrevistas Anna recuenta cómo la imprenta llamó pensando que la foto fue un error ya que rompía con el estilo y la idea cerrada de high glamour usual de las portadas de Vogue en aquel entonces. Mirando atrás, Anna cuenta: “Simplemente observé la foto y sentí que el cambio estaba por venir. Realmente no puedes pedir algo más de una portada”. Y no estaba para nada equivocada.

Durante toda su carrera la editora en jefe ha logrado aterrizar la noción de la moda en el día a día, con la dosis exacta de fantasía. Después de todo, una de las funciones de la moda es hacernos soñar.

Pero crear algo que nos saque de la realidad no suceda por arte de magia, en ‘The September Issue’ podemos observar el exhaustivo trabajo detrás del sueño y la atención a los detalles que Anna ejerce. Al final del día ella tiene la última palabra en cada decisión, desde quién será el fotógrafo hasta los aretes que se van a usar. Durante 90 minutos la temida figura nos adentra en su mundo y cuestiona el gusto de Oscar de la Renta mientras este le muestra su colección, elogia a Karl Lagerfeld y cuenta a la cámara como ‘hay algo en la moda que pone a la gente algo nerviosa’, y uno no puede evitar pensar que de ser así, ella es la encarnación perfecta de la moda.

Wintour coordina todo este trabajo con su agudo sentido cultural acerca de las personas que están en Vogue… desde la elección de Hillary Clinton en Noviembre de 1998 como portada de la revista -en medio del punto más alto del escándalo acerca de su esposo y Monica Lewinsky- hasta tiempos recientes, seleccionando a Michelle Obama como portada en 3 ocasiones, entrevistando a la Primer Ministra británica Theresa May y su ‘ofensiva encantadora’ dirigida a Trump.

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Mediante la política, Anna ha puesto la moda bajo el ojo público.

Pero no solo las líneas entre la política y la moda han sido

borradas por Anna, a la editora se le atribuye, fundir el entretenimiento con la moda. Un año después de fotografiar a Clinton decidió poner a Madonna en la portada, aumentando las ventas de la revista en 40%. No hubo vuelta atrás.

Desde entonces la moda y las celebridades colaboraron una con la otra, las estrellas que previamente no tenían la presión de vestirse bien para eventos ahora se veían en listas de ‘mejor/peor vestido’ y la cultura popular lo amó.

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La moda finalmente llegó a encontrar su espacio en las masas.Tendencias iban y venían, estrellas nacían y otras se apagaban; pero en una industria que prospera y se basa en el cambio, Wintour ha tenido una visión capaz para establecerse a sí misma y a Vogue como una constante y una autoridad.

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De todos sus logros, tal vez su legado definitivo será este cúmulo de trabajo que nos afirma que todos los sucesos políticos, culturales, económicos, sociales, no suceden independientes a lo que vestimos.

Lo que algunos conocemos como el ‘mundo de la moda’ es en realidad… el mundo de todos.

Y Anna Wintour está detrás de todo.

FUENTES:

Carr, D. (2006). The Devil Wears Teflon. Consultado de https://www.nytimes.com/2006/07/10/business/media/10carr.html?module=inline el 10 de abril de 2019.

Mower, S., & Martínez, Raúl. (2007). Stylist : The interpreters of fashion. New York: Style.com in association with Rizzoli. Consultado el 10 de abril de 2019.

100 MOST INFLUENTIAL WOMEN IN ADVERTISING; ANNA WINTOUR.(Brief article). (2012). Advertising Age, 83(34), 0038. Consultado el 10 de abril de 2019.

Bazilian, E. (2017). BRAND VISIONARY: ANNA WINTOUR. Adweek, 58(29), 14-39. Consultado el 10 de abril de 2019.

Las mujeres tienen el poder… y su armario al fin lo refleja – Tendencias Otoño/Invierno 2019-20

La semana de la moda, el evento global anual que muestra las tendencias que veremos en tiendas, en stories de nuestra influencer favorita y nuestros feeds de instagram, recientemente mostró sus propuestas para la temporada de otoño/invierno 2019, de todas las siluetas y elementos presentados, dos parecían ser ubicuos, los hombros gigantes y la sastrería. Desde las primeras pasarelas del mes de la moda en Nueva York, pasando por Londres y Milán hasta París, los grandes hombros -acompañados de una complementaria y precisa sastrería- abarcaron la mayoría de los shows. ¿Cómo estos dos símbolos de poder en el lenguaje de la moda, reservados usualmente para la vestimenta masculina, fueron interpretados y traídos al siglo XXI por cada diseñador, y qué dicen de nuestros tiempos?

Photo: Alessandro Lucioni / Gorunway.com
Photo: Alessandro Lucioni / Gorunway.com

En Nueva York, la marca Rodarte, de las hermanas Mulleavy arrancó la temporada de shows apuntando al cielo, hombros gigantes con vuelos que los hacían aún más grandes en vestidos de lentejuela, satín o chiffon, una colección con toques ochenteros, la década

que vio nacer el power dressing sirvió de inspiración para incorporar el arquetipo de poder de esa época -el hombro prominente- con lo percibido como materiales tradicionalmente femeninos. Tom Ford continuó el espíritu de la temporada entregando una versión femenina de su mítica sastrería masculina, rígidas construcciones, cortes concisos, estas son piezas que dicen ‘PODER’; en este caso, ese poder no se pelea con la sensibilidad y feminidad que proveía la elección de materiales como piel, terciopelo, satín… el resultado fue una colección con una imponente energía femenina.

Photo: Filippo Fior / Gorunway.com

Volando a Milán, la casa construida sobre el sex appeal, Versace, entregó una versión ácida de lo sexy agregando capas mediante piezas de satín en colores chillantes, arneses o camisas abotonadas y para terminar los looks, sacos holgados con hombros precisos, en estampados maximalistas o colores brillantes. Destacó que esta colección presentó menos piel, más prendas y más sastrería de la que usualmente se ve en un show de la marca. Tal vez la mujer Versace dejó de ser sexy para otros y ahora se enfoca en ser sexy para sí misma.

 

Armando Grillo / Courtesy of Gorunway.com

Llegando a París, la última parada de la temporada, Balenciaga presentó una oda a la construcción. Con cada look los hombros crecían y crecían, presentando un maravilloso ejercicio en técnicas de Alta Costura –el lado la moda que originalmente nació para vestir a la realeza femenina- implementadas en piezas casuales del guardarropa moderno.

Al final, el círculo se cerró en Saint Laurent. La casa de moda del diseñador que propulsó a la fama el le smoking suit, la versión femenina del traje masculino, presentó una sólida propuesta que mezclaba la seriedad de esta pieza con la sensualidad clásica e irreverencia de la marca mediante sastrería en skinny suits con hombros prominentes.

Photo: Alessandro Lucioni / Gorunway.com

En un punto de la semana de la moda, la escritora de moda Robin Givhan preguntó en instagram: “¿por qué los hombros se volvieron tan grandes?, ¿es porque tenemos que soportar el peso del mundo?” Y uno no puede evitar pensar que tal vez así es; desde la primera aparición de las hombreras y la eventual creación del power suit. Hasta hoy, no mucho ha cambiado para las mujeres; brecha salarial, desigualdad de oportunidades, ser culpada si ejerce su sexualidad, culparla por no ejercer su sexualidad… ¿alguna vez tienen un descanso?

Al menos un mensaje de las propuestas de esta pasada semana de la moda fue claro y fuerte, a diferencia del power dressing de los 80’s, esta vez las iteraciones de la hombrera no vienen en una sola forma. Porque la mujer que sale a enfrentar y cambiar al mundo dejó de ser solo una. Son todas. Y todas encontrarán una opción para verse fabulosas mientras lo hacen.

FUENTES:

Friedman, V. (2019, February 28). Feminism in the playground. New York Times, p. D6(L). Retrieved from http://ezproxy.udem.edu.mx:2231/apps/doc/A576163370/AONE?u=udm&sid=AONE&xid=83c26442

FASHION Jo Ellison. (2018). Circling the feminine; Valentino, Hermes, Stella McCartney, Sacai and Giambattista Valli Designers are offering very different takes on power dressing this season. The Financial Times, p. 9.

El poder no tiene porqué lucir agresivo – Tom Ford Otoño/Invierno 2019

Una colección que fue concebida como respuesta al estrés de las constantes noticias y el clima político. El diseñador Tom Ford hablaba de entregar un trabajo menos agresivo, algo ‘relajado y fácil de usar’… Pantalones de satín de seda emparejados con sandalias de plataforma con punta abierta y sombreros de pelo vegano puede no ser tan fácil de usar, pero es el concepto relajado de Tom Ford. Y funcionó maravillosamente. ¿Por qué?.

Esta fue una colección plagada de Tom Ford-ismos, los códigos de vestimenta que estableció durante su estadía en Gucci durante los 90’s y principios del 2000: la sastrería que acentúa el cuerpo y lo complementa, los vestidos que hacen tributo a Halston y la década setentera, las blusas de crepe de seda desabotonadas que evocan sensualidad con una actitud despreocupada. Extrañamente, en donde deberíamos encontrar la característica sensualidad irreverente de los diseños de Ford, encontramos una versión femenina del poder que es evocado tradicionalmente por la sastrería masculina.

Tal vez Tom esté al fin insertándose en la ola del revival de la estética de los 90’s o llegó a un punto de su carrera en la que está cómodo con referenciar su propio trabajo y construir a partir de eso en vez de forzar nuevas ideas como lo hizo en pasadas colecciones, cualquiera que sea la situación, el resultado que vimos en la pasarela, lejos de ser un throwback se sintió totalmente actual, relevante para la vida del cliente Tom Ford, nuevo y sobre todo, bello.

‘La ropa hace al hombre, un hombre desnudo tiene poca o nada de influencia en la sociedad.’ dijo Mark Twain, y no estaba nada equivocado, los hombres tradicionalmente parecemos encontrar este poder que nos brinda la moda en la sastrería, a través de la precisión de los cortes y lo rígido de las siluetas, la exactitud que hay en la construcción de un buen traje. Todo esto se refleja en lo manera que comanda la atención un hombre que usa uno.

Tom usualmente evoca esta acción de comandar poder en su trabajo para la mujer a través de la celebración de su sensualidad y sexualidad. Micro-mini faldas, tangas, vestidos con cortes estratégicos que muestran la cadera, el escote, aberturas para la pierna entera y demás. Esta colección marca un punto de convergencia entre las elaboradas técnicas de la sastrería masculina y la sensibilidad y el ease de su trabajo femenino. Ford presentó para la mujer sastrería inmaculada – del tipo que usualmente está reservada para los caballeros – conjuntos poderosos e irreverentemente femeninos. Para liderar no se tiene que eliminar la sensibilidad, estos looks proponen el tipo de poder que no necesita transgredir para hacerse notar/comandar (hello Tr*mp, Bolsonaro). Prendas que no nos gritan.

En la sección final, Tom presentó vestidos largos de jersey de seda que parecían derretirse en el cuerpo, sostenidos por cadenas en la espalda. La idea que tenemos de las cosas siempre resulta mejor que la cosa en sí, y como la escritora de moda Robin Givhan indica, Tom Ford sabe que la idea de la desnudez es más atractiva que un cuerpo desnudo… ¿en algún momento el vestido resbalará de sus hombros? Probablemente no. Pero la mente no puede evitar viajar.

En una entrevista para Nicole Phelps, periodista de Vogue, Ford dice: “Nunca he sido realmente un diseñador que haya hablado sobre un momento en el tiempo o cómo eso influye en lo que diseño, pero no puedes escapar a las noticias”…”Me siento frustrado, agitado y agotado. Y no quiero ponerme nada particularmente desafiante ni nada particularmente agresivo “.

Instagram: @tomford

Ford sabe que no necesitamos que nuestras prendas griten y pidan atención, las noticias, tv, social media y nuestro entorno entero ya lo hacen. Dejemos que esta vez nuestra ropa comande en silencio.

FUENTES:

Phelps, N. (2019). Tom Ford Fall 2019 Ready-to-Wear Fashion Show. Consultado de https://www.vogue.com/fashion-shows/fall-2019-ready-to-wear/tom-ford el 18 de marzo de 2019.

Givhan, R. (2019). Tom Ford’s fall collection is stunning – but it’s really all about the fur hats. The Washington Post, p. The Washington Post, Feb 8, 2019.

Fury, A. (2019). Tom Ford’s gender blender kicks off New York AW19. FT.com, p. FT.com, Feb 7, 2019.

El diseñador de una industria: el legado de Karl Lagerfeld

Autoretrato de Karl Lagerfeld

Las cosas ya iban mal, o es lo que la industria de la moda asumió cuando el pasado 22 de enero, Karl Lagerfeld, el octogenario creativo al frente de la casa de moda Chanel se ausentó del show de Alta Costura de la firma francesa. La primera vez que no toma la reverencia al final de su propio show en los 35 años que lleva dirigiendo Chanel. Aproximadamente un mes después – el 19 de febrero- el mundo de la moda se estremeció ante la noticia de que el icónico diseñador había fallecido. Con el trabajo de literalmente una vida – más de 50 años dirigiendo Fendi y 35 frente a Chanel – ¿cuál es la herencia que Lagerfeld nos ha dejado? y ¿hacia dónde se mueve ahora la industria de la moda?

HISTORIA

Antes de los Virgil Abloh, Marc Jacobs, Tom Ford -o cualquier otro diseñador-celebridad contemporáneo- estuvo Karl Lagerfeld, que contra todos los pronósticos convirtió a un Chanel que se estaba diluyendo y en camino a ser una marca de perfumes y cosméticos, en un monstruo global, un ente que familiarizados con la moda y no tan familiarizados, reconocen, y que acorde a reportes de la compañía, vende $9.62 billones de dólares anuales.

A pesar de tener ya varios años como Director Creativo en la firma italiana Fendi y haber revolucionado el mercado de las pieles atreviéndose a cortarlas, pintarlas y estilizarlas, Karl encontró verdaderamente el estrellato en 1983, cuando la familia Wertheimer le encomendó traer a Chanel al tiempo presente. Algo que hizo perfectamente y con una fórmula que la moda no había visto.

LEGADO

Otros grandes diseñadores heredaron a la moda una silueta, un corte, una técnica o hasta un color, Karl dejó como herencia la figura del diseñador de moda actual. Alguien encargado de tomar los códigos de una casa, reinterpretarlos y hacerlos relevantes mediante la dosis indicada de irreverencia y respeto, para producir piezas deseables temporada tras temporada. Lagerfeld se estableció en Chanel en una época donde los diseñadores ‘respetables’ se dedicaban a la Alta Costura y el ready-to-wearFOOTNOTE: Footnote apenas estaba viendo sus comienzos.

Al principio de su carrera era llamado estilista, no diseñador, alguien bueno ‘remixeando’ el ADN de una firma de moda pero no proponiendo nuevas ideas, tema que queda a debate, ya que hay que reconocer la habilidad que se requiere para mezclar lo que está sucediendo en el mundo con el ADN de una casa de moda y producir piezas tan clásicas como actuales, que representan el hoy sin olvidar la historia y códigos de una casa de moda.

FUTURO

Es imposible hablar del diseñador sin recordar sus comentarios que la prensa llama ‘controversiales’, para evitar llamarlos por lo que en realidad son, sexistas, gordo fóbicos, xenofóbicos. “Nadie quiere ver a mujeres gordas.” Hablando sobre la prohibición de la extrema delgadez en las pasarelas, “El gran invento de Alemania fue el Holocausto.” Comentando sobre las políticas de migración alemanas, “Si no quieres que te bajen la ropa interior no seas modelo.” Comentario hecho en medio del movimiento #MeToo.

Aunque es un momento triste, para citar al propio Karl: “Hay que continuar abrazando el presente e inventar el futuro”. Por tanto tiempo fue diseñador de qué es y cómo se ve el lujo, su fallecimiento marca también el fin de su influencia como figura de poder. Su sucesora ha sido nombrada. Virginie Viard, quien marca el regreso de una mujer al frente de la casa de moda por primera vez desde que la misma Coco Chanel la dirigía. El cambio está de nuevo a punto de suceder. Un nuevo capítulo a punto de escribirse.

Las siguientes leyendas de la moda están en el horizonte.

FUENTES:

Henry, D., & Williams, R. (2019). Karl Lagerfeld, Who Ruled Chanel Design for Decades, Dies. Bloomberg Wire Service, p. Bloomberg Wire Service, consultado en 19 de febrero de 2019.

Cartner-Morley, J. (2019). Karl Lagerfeld misses Chanel haute couture shows in Paris. Visitado en https://www.theguardian.com/fashion/2019/jan/22/karl-lagerfeld-misses-chanel-haute-couture-shows-in-paris el 28 de febrero de 2019.

De lo que están hechos los sueños – Rodarte Primavera 2019.

La historia de la marca Rodarte, fundada por las hermanas Mulleavy, pareciera sacada de un cuento de hadas, de esos que nos leyeron alguna vez antes de dormir. Pero sin un rumbo aparente el sueño podría evaporarse, ¿Hacia dónde se dirige Rodarte y cómo esta colección construye el posible siguiente capítulo en su historia?

Kate y Laura Mulleavy iniciaron su marca en Pasadena, California hace 13 años, su primera colección de 10 piezas acabadas a mano llegó a la portada de la respetada publicación Womenswear Daily. En 2006 estuvieron nominadas al Premio Swarovski para Diseñador Emergente del Consejo de Diseñadores de América (CFDA), de nuevo fueron nominadas en 2007 y en el 2008 lo ganaron. Al año siguiente se llevaron el galardón de Premio a Mejor Diseñador Womenswear y no para ahí.

Le siguieron exhibiciones en museos, 3 premios nacionales de Arte por mérito en la moda, la colaboración con la película ‘Cisne Negro’, la invitación por parte de la Cámara Sindical de la Alta Costura para mostrar junto a los couturiers en París… pero para una marca tan galardonada ¿no debería Rodarte ser un nombre más relevante?

Después de flotar de aquí para allá las temporadas pasadas, volar a París – y mostrar durante la semana de Alta Costura – pasar a formato catálogo y regresar a desfilar a Nueva York para su temporada previa, Rodarte decidió establecerse en un viejo nuevo hogar, Pasadena, California, el epicentro de la industria del entretenimiento.

La tierra donde los sueños se hacen realidad proveyó el escenario para una colección que continúa la visión que Rodarte introdujo hace algunas temporadas.

Ropa de ensueño, vestidos que barren el suelo, flecos que desafían la gravedad, vuelos que forman volúmenes impresionantes, moños gigantes, estampados, sobre tul en técnica trampantojo y moños pequeños bordados en medias. Una colección en colores vibrantes y siluetas a menudo ochenteras, traídas al presente mediante el uso de látex transparente en los zapatos, las atrevidas piezas de piel, cintos y brazaletes con el logo de la marca. El conjunto era un guardarropa de película, pero fuera de este sueño y de las alfombras rojas y galas ¿quién usa Rodarte? ¿para ir a dónde?

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Dos conjuntos particularmente sobresalieron del resto: un par de pantalones palazzo en satín plisado, uno en blanco y otro en negro, mostrados con una blusa rosa y una blanca respectivamente, ambas con mangas abullonadas y técnica de plisado a los costados, terminadas con un cuello voluminoso a base de vuelos. Afirmaciones de que las hermanas Mulleavy pueden guiar la ambición de su estética hacia una posible silueta comercial.

El trabajo de las últimas 4 temporadas de Rodarte es un ejercicio de sus habilidades como fuerza creativa, pero no tanto una prueba de éxito comercial, y tal vez no necesita serlo.

Las hermanas Mulleavy han estado alejándose del sistema tradicional de la moda, se refleja en su trabajo y es ahí donde precisamente se encuentra su belleza. Alejándose de cazar la siguiente gran tendencia o lanzar su versión de streetwear/sportswear para lograr vender es que llegan a crear piezas con una elaboración y sensibilidad que no se encuentra en ninguna otra marca americana actualmente.

instagram: @rodarte

Algunas personas en la industria apuestan a que el dúo está tratando de equiparar Rodarte con un universo de belleza, de manera que sean capaces de licenciar la marca y extenderse a perfumes, accesorios, belleza, etc. Donde hay billones de dólares que ganar. Otros creen que sacrificando el hacer piezas comerciales la marca terminará asfixiada. Cualquiera que sea su sueño, aún y con la latente posibilidad de que se quede en eso, los hermosos vestidos de Kate y Laura Mulleavy me hacen apretar snooze y pedir seguir soñando 5 minutos más.

FUENTES:

Zerbo, J. (2016). Inside the Business of Being Rodarte. Consultado de http://www.thefashionlaw.com/home/whats-going-on-with-rodarte el 14 de febrero del 2019

Givhan, R. (2016). Does Rodarte actually exist? The vaporous business plan of a fashion industry darling. Consultado de https://www.washingtonpost.com/lifestyle/style/does-rodarte-actually-exist-the-vaporous-business-plan-of-a-fashion-industry-darling/2016/06/01/e4739220-071a-11e6-bdcb-0133da18418d_story.html?utm_term=.ed21e369ef83 el 14 de febrero del 2019.

En un mundo de payasos ¿la belleza nos salvará? – Haute Couture Spring 2019

Un espectáculo que nos pone al borde de nuestros asientos, a veces adrenalina,  humor o ilusión, otras veces belleza pura. ¿Estamos hablando del circo o de la semana del Haute Couture? Esta temporada pareciera que no son tan diferentes.

 

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Autor:Francois Mori
Crédito:AP
Copyright:Copyright 2019 The Associated Press. All rights reserved

El espíritu circense de la pasada Semana de la Alta Costura fue establecido por Dior desde su día inaugural, la marca se presentó en una carpa, acompañada del espectáculo del grupo de acróbatas mujeres ‘Mimbre’, quienes mientras el show progresaba creaban pirámides humanas, una mujer encima de otra formando estructuras bajo las cuales los looks desfilaban. No hay una mejor alegoría para la resiliencia femenina sobre el hilo de historia feminista que está creando Maria Grazia en Dior. Eventualmente, la historia tejida por esta muestra de destreza parecía más atractiva que la que contaban las prendas.

 

 

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Victor VIRGILE/Getty Images

El circo llegó acompañado de las atracciones del reino animal, en Peter Dundas el estampado de leopardo y jirafa se hizo presente en cintos, vestidos y bordado en capas, mientras que el diseñador Alexandre Vauthier también presentó dinámicas piezas en el estampado felino. El toque de misticismo fue provisto por Bertrand Guyon de Schiaparelli, plasmandolo en el bordado de estrellas y constelaciones que pudimos apreciar en vestidos, botas y amplias capas, Bertrand fue creando una colección divertida inspirada en la infancia de Elsa Schiaparelli, los conjuntos tomaron una dirección casi cómica cuando la paleta incorporó rosa pepto-bismol en looks que bien pudieron hacer el traje de un payaso.  Otro notable personaje que estuvo presente en varias colecciones.

Backstage at Alexandre Vauthier Couture Spring 2019
DELPHINE ACHARD/WWD

Tal vez un guiño a los payasos que nos gobiernan y las tragedias a las que nos llevan, dice la crítica de moda Vanessa Friedman, los elementos que caracterizan a esto personajes circenses estuvieron en la mayoría de las colecciones. El patrón de diamantes usado por los bufones – en Alberta Ferretti, Dior, Givenchy -, los zapatos estilo Mary Jane – en Dior y Margiela (donde fueron llevados a proporciones propias de un disfraz y acompañados de pelo de colores y maquillaje blanco)-, gigantes moños, al hombro en Giambattista Valli, en la espalda en Valentino, complementados con una mochila en Givenchy, a la cintura en Alexis Mabille, en el escote en Alexandre Vauthier.

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@coreytenold

¿Pero qué es un payaso sin las risas? Afortunadamente el humor también estaba ahí, irónico por parte de Clare Waight Keller incorporando látex a las creaciones de Alta Costura y directamente sarcástico e inteligente en los elaborados y gigantes vestidos de Viktor & Rolf acabados con statements – elemento que no se puede separar del streetwear y de su carga política -, Couture para el siglo XXI.

‘La belleza salvará al mundo’, dijo alguna vez Dostoievski. Este evento de la industria, al que asisten las personas más afluentes del planeta, va más allá de crear un espectáculo; se trata de la sublime belleza, de la posibilidad de crear un sueño.

Como un acto de aparición, al final estaba Valentino, “No me gusta reflejar el esfuerzo que lleva lograr magia” decía el diseñador Pier Paolo Piccioli.

 

 

236 metros usados en una chaqueta que asemeja el botón de una rosa, 63 metros de una taffeta de seda en un glorioso vestido amarillo, piezas bordadas con hilo metálico que tomaron 700 horas en ser acabadas, un vestido de vuelos unidos al vestido costura por costura que llevó 1050 horas. Todo este esfuerzo traducido en vestidos que parecieran flotar, ser una ilusión, ciertamente un buen mago nunca revela sus secretos.

La escritora de moda Rachel Tashjian resumió sus sentimientos sobre la semana de la Alta Costura diciendo: “Entre más me dejo a mí misma soñar y ser llevada por la fantasía, más triste me pone darme cuenta de lo desesperada que estoy por escapar de la realidad”.

Viktor & Rolf, en el último día de la Couture Week, cerró con un statement dress que llevaba el slogan ‘I want a better world’. Pensar que la belleza o que un vestido va a salvar al mundo es ingenuo, pero, ¿no es tremendamente reconfortante soñar que existe la posibilidad?.

Semana de la Moda de París
CAROLINE BLUMBERG/EFEption

 

FUENTES:

Tashjian, R. (2019). Why Clowns, Brilliant and Bozo, Are Haunting Paris Couture Week. Consultado de https://garage.vice.com/en_us/article/d3m8yw/paris-couture-clowns

Friedman, V. (2019). Walking the Fashion High Wire. Consultado de https://www.nytimes.com/2019/01/22/fashion/dior-chanel-couture-paris.html

VOGUE. Spring 2019 Couture Fashion shows. (2019). Consultado de  https://www.vogue.com/fashion-shows/spring-2019-couture